艾伦·罗斯在受到大师影响的同时，也在逐渐形成自己的风格。在美国加州的旧金山，他开设了12年的商业摄影工作室。1993年，他搬往圣达菲居住并投入更多精力到个人作品和教学中。他曾受聘于美国银行和美国国家公园管理局，同时也受聘于个别客户，他们包括波音、耐克、IBM和MCI。他的作品，在国际间被广泛收藏。

　　艾伦·罗斯专注于个人的摄影创作，是在离开亚当斯以后。他的多数成功作品，都是表现风光、静物和建筑的。不同于那些常年坚持固定主题或项目的摄影师，他从不刻意限制自己的思维，而是随意发挥。底片里一张静物接着一张风光是常有的事，正如他自己比喻的“大杂烩”一样。

　　罗斯几乎不拍摄彩色照片，他认为对彩色的掌控比较困难，因为生活中的色彩反馈到每个人眼中是不一样的，而照片不免受到制作过程的影响。他钟爱的黑白照片正相反，世界不是按灰度梯度展开的，摄影师就有了最大的空间进行判断和表达。当然，时下的数码可以让你随心所欲，但是传统工艺无疑还是黑白摄影的自由度更大。

    人们通常会认为照片制作得好等于印制水平高，面对当今社会对摄影的忽略和误解，罗斯说：“我认为那只是‘记录现场’，而不是摄影师视角的表达。拍摄一幅作品，需要经过我看到某件事物——它引起我的兴趣——运用摄影技术——表现我之所见的过程，这与‘相机所见’是完全不同的。”

　　虽然很多人不屑于所谓的摄影技术，例如亚当斯的区域曝光法，但是罗斯却笃信雄厚的技术基础对创作、创新至关重要。他认为，越了解胶卷、显影剂、光线等客观因素，创作过程就会有更大的自主空间，而不是靠机会。胸有成竹总比无知地说“我这张照片的光影棒极了，虽然我不知道为什么，但是真的很喜欢”强多了。罗斯眼中的摄影，是一丝不苟的科学技术支持的艺术形式，而对于科学是来不得半点马虎的，即使当今仍然有许多东西值得再回头学习和实践，一切是为了认知事物到底是怎么样的。

    他的恩师益友亚当斯，曾受到过近乎苛刻的钢琴训练，这也为他养成了一生的良好习惯。直到70岁高龄，亚当斯仍然坚持不懈地实践再实践，练习再练习，而且乐在其中。排斥甚至反对技术的人不在少数，罗斯恳切地劝大家：“这是很糟糕的，因为如果你想做一名专业的摄影师，并且服务于媒体，基本上会被要求出示专业认证，至少要懂行。所以我认为了解‘工具’非常重要。”

　　随着数码摄影的发展，“技术派”的罗斯，面临着更多的挑战。PHOTOSHOP软件深受他的喜爱，但他从不用它直接做图，只是作为辅助的工具之一。他承认计算机与数码技术已经把摄影提到了一个新的高度，正如他相信不同的相机有不同的作用一样。对他来说，使用计算机还是35毫米相机并不重要，爱德华·韦斯顿（Edward Weston）就曾调侃说：“照片印在浴室防滑垫上也没什么不对，只要能印得上。”关键是要有缜密而考究的意图，罗斯最厌烦漫无目的、任意胡为的“偶得”，他认为那是不能原谅的。

　　罗斯也拍摄一些摄影师们“拍滥”的题材，比如美国圣路易斯州的一道拱门，连当地专科学校的学生都知道那道门已经有无数人拍过，再拍也没有什么新意了。他说自己对这类的潜规则是有免疫能力的，就像面对任何第一次接触的新事物一样，拱门就是他一生中见过的最美的建筑艺术，于是就会照自己的想法去拍摄。他觉得，个人智慧和水平的结晶终究是自己的，远胜于观看别人的。

　　表达与分享，是罗斯摄影的目的。因此，他“从不把思想藏在盒子里”故作神秘。相反，他乐于把一些日常司空见惯的事物赋予自己的理解，用摄影的方式呈现给观众。“摄影师必须享受其中，如果你感觉摄影已经像家务事一样按部就班，那就是说魔法已经开始失灵了。”艾伦·罗斯如是说。